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Hermanos Inglesos : "The wander of you"

Jérôme Delvaux — 2010-03-11T16:20:22Z

Hermanos Inglesos, ce sont bien des frères, comme le nom l'indique, mais ils n'ont rien d'espagnol. Ils s'appellent Didier et Cédric Engels et sont issus de la scène gantoise. Après s'être fait remarquer comme DJ's, notamment au Culture Club, tout s'enchaîne : ils remixent dEUS, commencent à produire leurs propres tracks, tournent un peu partout en clubs et en festivals, sympathisent avec Tiga et décrochent une signature chez PIAS. The wander of you, qui sort le 29 mars, est leur premier album.

Et même si on peut parfois lui reprocher certaines longueurs, cet opus est l'une des toutes bonnes surprises belges de ce premier trimestre de l'année. L'on peut dire qu'il s'ouvre en beauté avec Wanderland, un titre electro/house un peu chill qui n'invente rien, ne révolutionne rien, mais donne une irrésistible envie de se trémousser sur la piste, et c'est bien là l'essentiel. Et le soufflé ne retombe pas dès la seconde plage, comme c'est malheureusement trop souvent le cas des disques qui démarrent pied au plancher. Au contraire, les tueries s'enchaînent, l'intensité monte de titre en titre… Ca bastonne vraiment sévère dès la troisième plage, Snapshot, une collaboration avec le duo punk/electro Nid & Sancy. Ca ne se calme pas avec Mastermind, le single du moment, qui évoque gentiment Mr. Oizo avec ses sonorités aiguës gueulardes semblables au chant des oiseaux (ceux d'Hitchcock, qui seraient coincés dans une volière exiguë) ; chaud devant !

Forts de leur expérience de DJ's, les frères Engels savent comment s'y prendre pour faire exploser un dancefloor : tout au long de l'album, les basses sont calibrées juste comme il faut, les beats virevoltent. Et puis, ce qui ne gâche rien, il y a de vraies mélodies. Oh, elles ne sont pas toutes originales, certes. Certaines mesures de Qwistax semblent décalquées sur Mea culpa de David Byrne & Brian Eno, mais on nous rétorquera sans doute qu'il s'agit d'une pure coïncidence…
Sur d'autres titres, comme Dunno, on relève des influences rock dans le choix des sons et la manière dont le morceau est construit. On pense alors au Sexor de Tiga ou à aux compositions les plus electroclash de DJ Hell. Que de des bonnes références, en somme. Efficaces.

Bien sûr, cela reste malgré tout de l'electro, un genre dans lequel cela fait longtemps qu'il n'y a plus guère de réelles innovations. Ainsi, à l'écoute de The wander of you, on pensera encore tour à tour à Compuphonic, Digitalism et Vitalic, entre autres. Il n'en demeure pas moins que c'est rudement bien fichu, très bien produit (peut-être même trop bien, tant certaines séquences auraient peut-être gagné à être moins "propres") et - c'est le plus important - toujours foutrement dansant.

Les frères Dewaele ne sont plus les deux seuls frangins terribles de Gand, qu'on se le dise.

The Bear That Wasn't : "And so it is morning dew"

Jérôme Delvaux — 2010-03-10T08:06:57Z

La folk, l'indie-pop acoustique à la Elliott Smith, Bon Iver, Sufjan Stevens et consorts, en général, ça ne me parle pas beaucoup. Allez savoir pourquoi, je me suis pourtant laissé séduire par cet album d'un groupe belge au nom improbable (l'ours qui n'était pas, késako ?), apparemment tiré du titre d'un livre pour enfants.

Originaire de Louvain, The Bear That Wasn't est à la base le projet solo d'un musicien, Nils Verresen. Seul à la guitare, ou accompagné de quelques discrètes orchestrations, ce singulier auteur-compositeur brabançon nous emmène à pas feutrés dans un monde de douceur et de rêveries. En douze chansons aux titres aussi étonnants que The little witch and the brave boy are going to Venus, The exciting adventures of a bad bet, a bad alliteration and Mister Consequence, ou encore Next stop : Disneyland !, le chanteur séduit par la délicatesse de son timbre, par la simplicité de ses accords et par la finesse de ses ritournelles.

Nils s'est fait remarquer, en Flandre, avec un concept original de tournée « chez l'habitant ». En échange du couvert et de l'hébergement pour la nuit, il donne un petit concert privé, avec à chaque fois pour uniques spectateurs son hôte du soir et quelques convives. Quelle meilleure manière d'aller à la rencontre de son public et, à son contact, de faire murir, soir après soir, les chansons de son répertoire ? Cette tournée (de 365 dates en tout !), entamée en 2009, se poursuit cette année.

L'enregistrement de l'album a été pensé selon cette approche résolument intimiste, cette conception simple, directe et sans artifices de la musique. Loin de l'agitation, du bruit et du stress de la ville, The Bear That Wasn't nous propose une petite heure de recueillement, de légèreté, de poésie et de joie communicative ; une tendre excursion champêtre qui nous colle un sourire béat sur le visage sans qu'on ne puisse trop expliquer pourquoi. Si ce n'est le plaisir que procure un peu de douceur dans un monde de brutes.

Tout ici n'est que dépouillement, il n'y a point d'électricité, pas de soli flamboyants et encore moins de bidouillages de producteurs. Chaque titre aurait été enregistré en une ou deux prises à peine que cela ne nous étonnerait d'ailleurs pas (à part sans doute pour les cuivres de Your huckleberry friends). Il y a un vrai sentiment de fraîcheur et une charmante spontanéité qui se dégagent d'un Fizzy good (Make feel nice), d'un Sour apple ou d'un Winterwandering - trois de mes titres préférés de cette galette.
Comme certains vieux Dylan, And so it is morning dew est un ces disques à écouter au coin du feu, lors de longues soirées d'hiver à la campagne, un verre d'excellent bourbon à portée de main. Les fans de Grandaddy devraient y trouver leur compte. Ceux de Gravenhurst encore davantage. Les inconditionnels de Bright Eyes risquent bien d'apprécier également. Pour les ambiances et la sensibilité.

Alors, avec The Bear That Wasn't, la Belgique aurait-elle trouvé son Nick Talbot ? Ou son Conor Oberst ? Même si cela peut paraître prématuré, j'ai envie de répondre que oui. Nils Verresen semble taillé dans le même bois que ces songwriters. Il ne lui manque sans doute qu'un véritable tube (ce qu'on ne trouve pas encore sur cet album) pour lui permettre de s'exporter bien au-delà de nos frontières.

Etron : "A world of nerds"

Mathieu, mélomane — 2010-03-08T23:00:00Z

J'ai toujours trouvé que l'innovation comme critère d'évaluation d'une musique, c'est un peu ridicule. Les cris au génie, ça s'entend assez régulièrement, mais j'ai tendance à me méfier. Quels sont alors les critères valables ? Je crois en une vision artistique bien définie et une identité propre. Je cherche des émotions qui me font évoluer. Ne vous inquiétez pas, je vais tout de suite venir à Etron.

Je pense aux disques qui m'ont touché les derniers mois, et j'essaie de découvrir les qualités qu'ils ont en commun. Que ce soit Fascinoma de Jon Hassell, Tauhid de Pharoah Sanders, Night life de Thin Lizzy, The road de Nick Cave & Warren Ellis ou A world of nerds d'Etron, je réalise que le point qu'ils ont en commun, c'est que, après les avoir écoutés plusieurs fois, j'ai changé. La différence pour mes proches est, certes, imperceptible, mais je sais que le changement a eu lieu.

Etron m'a donné ce que je n'attendais pas, ou plutôt, ce que j'ignorais attendre. A world of nerds est un disque que nombre d'artistes oublient de réaliser, un disque qui parvient à capter l'attention de l'auditeur du début à la fin. Ce ne sont pas des musiciens imbus de leur virtuosité, car aucune note n'est ici superflue. Moi qui ai écouté des milliers d'heures de musique et assisté à bien des concerts, je ne parviens pas à me lasser de la façon dont se courtisent la basse de Billy Jr. et la guitare de Suzy Cumshot. Je me retrouve à constater que c'est chouette que le rock'n'roll trouve encore à raconter, à inventer. Dans la configuration présente, Sakata, la boite à rythme, est la seule à se contenter de faire son boulot, de fournir son lot de rythmes fiables, constants et monotones, ce qui n'est pas grave, car il se produit trop de choses pour que l'auditeur ne soit pas comblé. Et puis, Sakata, c'est l'élément de stabilité, le point d'accroche pour ses deux comparses adeptes du free-wheeling musical. Ecoutez d'ailleurs le morceau Handicap sur A world of nerds, un exemple de l'art d'obtenir plus en faisant moins.

Un élément que j'ai toujours aimé chez Etron est le chant. Ce chant va du chuchotement au hurlement, du parlando aux pleurs, sans qu'à aucun moment, je ne commence à douter du sérieux des propos adoptés. Il n'y a pas d'overacting chez Etron, et ceci n'est pas une mince prestation, vu l'absurdité apparente de leurs textes qui ne leur rend pas la tâche facile. Je vous livre d'ailleurs ici mon extrait favori, qui vaut tous les Here we are now, entertain us et les Despite all the rage I feel like a rat in a cage du monde :

‘En allant à Charleroi,

En passant par Waterloo,

Puis Braine-l'Alleud

J'voudrais aller à Braine La Louvière

Need a body now – Nation, burn !'

Etron possède un talent important : la composition. Simple ou compliqué, le morceau est toujours accessible. C'est bien simple, Steve Albini, qui a produit leur disque, ne s'y est pas trompé.

Maintenant, il ne manque plus que vous…

Fear Factory : "Mechanize"

Arnaud Splendore — 2010-03-08T07:24:44Z

Le moins que l'on puisse dire, c'est que Fear Factory revient de loin. Après un quatrième album, Digimortal, considéré comme faible aussi bien par les critiques que par les fans, le cinéma des conflits interpersonnels a ramené sa fraise. Sans refaire l'historique du drame, disons que c'est Dino Cazares, guitariste et membre fondateur du groupe, qui en a fait les frais. Deux albums plus tard, la situation n'était guère meilleure d'un point de vue artistique jusqu'à ce que, l'année dernière, le chanteur Burton C. Bell annonce le retour de Cazares au sein du groupe, au prix du renvoi du reste de l'équipe. Ce retour en fanfare précédait l'annonce d'un nouvel album. Le groupe allait-il retrouver l'étincelle de génie qui animait leurs débuts ?

Mais Cazares n'est pas revenu seul, il amenait dans ses valises le bassiste Byron Stroud (comparse régulier de Devin Townsend) et surtout le batteur de légende Gene Hoglan (autre habitué des projets de Townsend, mais surtout batteur de Death). Autre retour, cette fois derrière la console, celui de Rhys Fulber (Front Line Assembly), producteur des débuts du groupe. Tous les ingrédients étaient donc réunis pour un grand retour de Fear Factory sur le devant de la scène. Restait à savoir si la magie était toujours présente et si, comme d'aucuns (dont votre serviteur) le pensaient, le son de Fear Factory était dû en grande partie à Dino Cazares.

Ne faisons pas durer le suspens plus longtemps, Mechanize est sans aucun doute le meilleur album de Fear Factory depuis douze ans, c'est-à-dire depuis le monumental Obsolete. Dès les premiers accords de l'album, on retrouve la signature musicale du groupe, ce thrash/death teinté d'industriel, les sonorités inimitables qui ont fait les grandes heures de Fear Factory. L'autre bonne nouvelle est que le groupe ne cherche pas non plus à se la jouer séquence nostalgie. Mechanize sonne comme la suite naturelle et logique d'Obsolete, comme si les albums parus entretemps n'avaient jamais existé (ce qui serait plutôt une bonne nouvelle).

Un des doutes principaux concernant l'album était de savoir si Gene Hoglan pourrait s'adapter au style et à la rythmique particulière de Fear Factory. Ces doutes étaient entretenus, entre autres, par Raymond Herrera, l'ancien batteur, qui affirmait à qui voulait bien l'écouter que Hoglan était incapable de jouer ses parties de batterie. Et bien, mon cher Raymond, tu aurais mieux fait de fermer ta grande gueule parce que Hoglan fait mieux qu'assurer tes parties de batterie, il te fume complètement. Hoglan est un batteur beaucoup plus naturel que Herrera, et là où le sieur Raymond est certes très bon pour un truc, Hoglan a un jeu beaucoup plus diversifié. Conclusion, non seulement la rythmique syncopée de Fear Factory est belle et bien présente, mais les parties de batterie sont plus variées, et surtout sonnent moins mécaniques (de façon assez paradoxale, d'ailleurs) qu'auparavant.

Pour le reste, on a à faire à du Fear Factory classique. Pointons tout de même Powershifter qui est, selon moi, le grand moment de l'album. La chanson s'inscrit dans la droite ligne de titres classiques comme Self Bias Resistor. On retrouve cette alternance entre les couplets thrash ultra-agressifs, où Burton beugle comme un damné, et le refrain plus mélodique, hyper-catchy, soutenus par le chant clair, presque incantatoire, de Bell. L'ensemble du groupe est affûté comme jamais et le titre est vraiment une excellente représentation de Mechanize.

Au rayon des négatifs, je dois tout de même pointer deux titres, en fait les deux chansons qui terminent l'album. Metallic division est une chanson instrumentale, simple succession de riffs « à la » Fear Factory. Certes, la chanson n'est pas très longue, mais elle n'apporte rien du tout. Elle est juste là pour remplir l'album, histoire de lui faire atteindre péniblement la barre des 45 minutes. Final exit, quant à elle, n'a rien de mal d'un point de vue musical. C'est plutôt le côté paroles qui pèche. La chanson traite du suicide et l'ensemble sonne comme extrêmement naïf. Les samples rajoutés à l'ensemble n'arrangent rien. Mais bon, là aussi, c'est du Fear Factory classique. Ressurection (sur Obsolete), par exemple, souffrait déjà du même syndrome.

Mais ce ne sont pas ces deux erreurs de parcours qui vont enlever son mérite à Mechanize. L'album marque un retour aux affaires pour Fear Factory et prouve, si besoin était, que le moteur du groupe est bel et bien formé de la paire Bell/Cazares, quoi que puissent en dire les évincés de la dernière heure. Reste à voir si l'entente entre les deux compères va rester au beau fixe. En attendant, Mechanize redore le blason de l'usine à peur et on ne va pas s'en plaindre. Pourvu que ça dure !

Helloween : "Unarmed - Best of 25th anniversary"

Arnaud Splendore — 2010-03-05T23:10:41Z

Figure imposée d'une carrière musicale, le best-of est le plus souvent réservé soit aux fans les plus hardcores, soit aux néophytes. Une dizaine de chansons sensées être des classiques, un inédit histoire de dire et emballé, c'est pesé. Mais les teutons d'Helloween, pour fêter dignement les 25 ans du groupe, ont décidé de faire les choses en grand. En guise de greatest hits, les allemands ont cru bon de réenregistrer leurs chansons, en profitant pour les lifter un chouia. Euphémisme du siècle, puisque le résultat est pour le moins surprenant.

Et surprenant, c'est le moins que l'on puisse en dire. En effet, à l'ouverture de Dr. Stein et de sa section cuivre, on ne peut s'empêcher de jeter un œil à la pochette de l'album pour bien s'assurer qu'il ne s'agit d'un groupe de jazz qui reprend du Helloween. Mais non, ce serait trop beau. Les allemands entreprennent de massacrer leur classique à grands renforts de breaks funk et de backing vocals dignes des Backstreet Boys. Ne mâchons pas nos mots, le résultat est tout simplement à vomir, et on espère sincèrement qu'il ne s'agit que d'un gag pour ouvrir l'album.

Mais point de salut de ce côté-là, Future World, normalement un classique du heavy allemand, sonne ici plutôt comme une chanson des Beach Boys. On connaît le sens de l'humour particulier des allemands mais là, ça dépasse l'entendement. A peine le temps de se remettre que les spasmes abdominaux reprennent de plus belle, avec la reprise de If I could fly. Alors que l'original est une power-ballad toute en ambiance et en retenue, Helloween nous assène une version digne du Top 50 allemand, sorte de soupe à la mode variété.

Les horreurs se succèdent et culminent avec The keeper's trilogy. Sur ce morceau, Helloween a rassemblé Halloween, Keeper of the seven keys et King for a thousand years en un seul morceau, et s'accompagne d'un orchestre classique. Si la première partie est plutôt intéressante (l'intro de Halloween par un orchestre classique, ça le fait !), l'ensemble devient vite une horrible cacophonie. D'une part, les trois chansons sont charcutées pour tenir en seize minutes, alors que les deux premières passaient déjà la barre des treize minutes. Il va sans dire qu'ici, on a rassemblé vaille que vaille des bouts de chansons pour faire tenir le concept. Simple question, mais pourquoi ne pas s'être contenté d'une seule chanson ? Au moins l'ensemble aurait-il été cohérent, et l'adaptation moins bordélique...

D'autre part, l'ingénieur-son est visiblement pété à la Slivovitz. L'ensemble sonne comme s'il avait été enregistré dans une cave, et Deris est à peine audible, ce qui peut être, à la rigueur, une bénédiction. En effet, le chanteur nous livre une performance pitoyable tant il donne l'impression de s'emmerder ferme. Et si la première partie tient plus ou moins la route, la suite part totalement en sucette, l'orchestre jouant une partition qui n'a pas grand-chose des chansons originales. Sans la ligne de chant, je mets au défi quiconque d'identifier Keeper of the seven keys. Une belle démonstration de ce qu'il ne faut pas faire si on veut enregistrer avec un orchestre...

Ce n'est guère qu'après un Motilium que l'on peut terminer l'écoute de cette horreur. Je ne vais pas vous faire un récit piste par piste, ce serait trop déprimant. Sachez juste que les « reprises » varient de l'indicible à l'à peine correct. Soyons tout de même positifs, tout n'est pas noir. Ainsi, la version folk de Perfect Gentleman convient assez bien à la chanson, et les relectures de Forever and one et de Where the rain grows ne sont pas pires que les originales, qui ne cassaient déjà pas trois pattes à un canard. De façon assez étrange, on dirait que Helloween s'est montré plus respectueux avec les chansons de l'époque Andy Deris plutôt qu'avec les classiques de l'époque Hansen/Kiske. On se demanderait bien pourquoi !

On peut débattre longtemps de la pertinence du statut de légende de Helloween. Mais que l'on soit partisan ou détracteur, il reste indéniable que les allemands ont dans leur besace quelques chansons qui sont des classiques du heavy metal et qu'à la grande époque, le groupe pouvait rivaliser avec d'autres légendes telles que Iron Maiden ou Saxon. Bon ok, la deuxième partie de leur carrière est beaucoup plus discutable, surtout au vu de leurs derniers albums. Certes, le groupe ne s'est jamais trop pris au sérieux, mais là ça dépasse l'entendement.

Avec ce Unarmed, Helloween laisse l'image d'un groupe aux abois qui cherche par tous les moyens à ce que l'on parle d'eux, quitte à ce que ce soit en mal. Le souci est que cela passe par un album que seuls les fans les plus intégristes pourront faire semblant d'apprécier. Les autres préfèreront garder le souvenir d'un Helloween glorieux, qui ne confondait pas encore second degré et humour à la Benny Hill. Reste qu'un coup pareil sonne pour moi comme un suicide commercial dont le groupe a fort peu de chances de se relever...

The Divine Comedy : "Fin de siècle"

Boris Ryczek — 2010-03-03T23:00:00Z

Il peut paraître curieux de chroniquer Fin de siècle en 2010, avec dix ans de retard. Pourtant, ce disque le mérite. Parce que, malgré ses défauts (ou justement grâce à eux) il est le préféré de bon nombre de fans de Divine Comedy.

Nous sommes en 1999, dans un aéroport. Le 11 septembre n'a pas eu lieu. De profil avec ses lunettes noires, son début de calvitie et son imparable flegme binoclard, Neil Hannon semble attendre la suite des événements. En attendant, Fin de siècle va dresser un court bilan d'un début de vie, et quelques tableaux, quelques impressions d'une fin de siècle.

Paradoxalement, c'est un (faux) hymne qui ouvre la danse : l'indispensable Generation Sex, constat d'échec d'un certain féminisme, où les deux sexes en prennent pour leur grade. Exubérant, délicieusement ironique, le morceau trouve son écho avec National Express, sixième piste. Ces deux singles permettent à Neil Hannon d'assumer son rôle de crooner pop aux mélodies enjouées, solidement établi depuis Becoming More Like Alfie.

Le reste de l'album surprend par sa gravité. Commuter Love met en scène un timide maladif, obsédé par une inconnue. Cette ballade se caractérise par ses arrangements inattendus, tout en retenue et en finesse. Avec un étrange accordéon, évocatoire des aléas du coeur. Pur joyau, elle trouve elle aussi son écho avec Life On Earth, monologue sur la mort, rappelant Timewatching, ou The Dogs And The Horses, qui assombrissaient déjà Liberation et Casanova.

C'est à la fin du disque que Fin de siècle révèle ses meilleurs moments. Avec The Certainty Of Chance, Neil Hannon signe le plus ambitieux de ses singles : une espèce de longue aria pop orchestrale, s'achevant en monologue parlé. Basée sur l'image canonique du papillon déchaînant des tornades de son battement d'aile, elle illustre en quelques phrases la difficulté d'aimer et de se faire comprendre. Aveu en forme de bilan, tableau paradoxal d'une hyper médiatisation n'empêchant pas l'isolation, célébration du hasard et de ses troubles, ce morceau est sans nul doute celui qui respecte avec le plus de brio le programme annoncé dans le titre de l'album.

Sunrise achève l'ensemble en reprenant les choses au commencement : une enfance marquée par un massacre, celui de Derry, en 1972, plus connu sous le nom de "Bloody Sunday". Grâce notamment à sa performance vocale enlevée, qui demeure peut-être la plus époustouflante de toute la carrière de The Divine Comedy, cette conclusion n'a pourtant rien de plombant, et réussit même à être une belle leçon d'optimisme : un appel à la paix, une ouverture au monde de demain, à un nouveau siècle durant lequel une réconciliation lumineuse serait possible.

Bien sûr, l'album comprend son lot d'exagérations (Sweden, Here Comes The Flood) et d'exercices de style douteux, comme Thrillseeker, inutile démonstration d'un savoir-faire de rocker un tantinet surestimé. Mais pour les quelques titres cités plus tôt, et la manière élégante dont ils sont agencés, il parvient à ses fins et trouve, du moins, sa place parmi les meilleurs albums de la fin des années 90.

Mr. Sportsman : "Good morning virtue E.P."

Tokyo Montana — 2010-03-01T23:00:00Z

L'une des joies de MySpace est de ne pas devoir trop se fouler que pour trouver des sujets à disséquer. Ils se pressent d'eux-même sous votre scalpel aiguisé. Sans doute sont-ils impatients de se faire tailler des costards, parfois des Armani, mais plus souvent des C&A ou des fins de stock de DOD, ceci en suivant la valeur du talent des volontaires.

Que déblatérer donc à propos de ce Sieur si sportif ? Dès les premières notes, c'est saisi, enfin trop comme un steak demandé saignant et arrivant dans votre assiette à point. Bref inapproprié.

Pourtant alléché par l'origine, Manchester pensez-donc, il fallut déjà déchanter à l'entamme de My darling outbreaks. Une intro me faisant furieusement penser aux Ecossais ferdinandiens. Si les breaks et autres sessions de guitares ne manquent pas toujours d'intérêts, la voix, les chœurs et la façon d'entonner le tout, nous plombent allègrement le plaisir. Faut dire qu'on apprend rapidement qu'ils assument ce grandiloquent à la lecture de leur page Facebook ("We like big choruses, catchy versus and awkward silences").

L'intro "naïve" de The assassination of Eddie Barzoon (titre laissant pourtant augurer de meilleures auspices) nous ramène au plus sombre des années 80 (qualitativement parlant), que ce soit le clavier un rien stupide et les ooohhh nous reliant presque aux KOL (les Kings Of Leon, voyons), on s'amuse un rien lorsque la guitare se fait furieuse. Mais cela nous laisse encore plus un gout de KOL(le ?) le tout saupoudré du plus mauvais Killers (hé oui, c'est possible) sous la langue.

Ne nous étalons (façon de parler) pas sur le troisième morceaux, laissons la surprise de la découverte au lecteur le plus courageux.

Quant à la pièce finale, les premières notes pourraient aisément nous induire en erreur et nous pousser à enfin trouver une petite grâce à ce premier E.P. Désenchantement rapide, et l'on se retrouve dans les références précitées auxquelles est rajouté un vrai refrain en forme d'hymne de stade. Comme si les couches successives de plâtre à essuyer jusque là n'étaient pas suffisantes. Et ça s'éternise, s'éternise, s'éternise... On en vient à espérer de longs silences maladroits

J'avais oublié un détail d'importance concernant Manchester avant d'entammer l'écoute de ces joyeux lurons, c'est son stade. Nous voilà avec un candidat supplémentaire tentant de le remplir à plus ou moins brève échéance pour un évènement qui n'aura rien sportif !

Pour les plus courageux, E.P. en téléchargement ici.

Ihsahn : "After"

Arnaud Splendore — 2010-02-28T23:00:00Z

Emperor est considéré, à juste titre, comme un des groupes majeurs de la scène black norvégienne. Pourtant, en trois albums, le groupe s'est rapidement démarqué des clichés habituels pour dépasser les limites du genre et proposer une musique beaucoup plus mature et plus intéressante que celle pratiquée par leurs congénères. Après la séparation d'Emperor, Ihsahn, qui a la musique dans le sang, n'est pas resté inactif longtemps. Il nous revient en ce début d'année 2010 avec son troisième album solo, et bon dieu, quel album !

Au risque de donner dans l'hyperbole, l'écoute d'After s'avère être une expérience rare, tant l'album est créatif et innovant. Ihsahn nous livre une musique tout à fait personnelle, sans chercher à correspondre aux critères étroits de telle ou telle scène musicale. Bien entendu, on retrouve certaines caractéristiques d'Emperor, comme le côté froid de la musique et bien entendu le chant se rapprochant assez fort d'un cochon qu'on égorge. Ce qui n'empêche pas l'homme d'alterner, parfois au sein d'une même chanson, les passages plus extrêmes avec des passages plus "ambient" soutenu par le chant clair d'un Ihsahn, qui se fait presque crooner.

Rayon brutalité, la palme revient à A grave inversed, qui rappelle les heures les plus extrêmes d'Emperor. La rythmique se fait complètement chaotique et Ihsahn beugle comme un damné. Par contre, on trouve toujours cette note de folie, puisque les riffs typés black-metal sont soutenus par un saxophone qui, notamment durant les breaks, part en une sorte d'improvisation free-jazz. L'ensemble est assez détonnant mais marche parfaitement. On retrouve d'ailleurs ce saxophone dément sur plusieurs autres chansons, dont la monstrueuse Undercurrent.

A l'inverse, Ihsahn peut se montrer calme avec des chansons plus posées, jouant plutôt sur les atmosphères. Ainsi Austere fleure-t-elle bon le Pink Floyd, avec son orgue Hammond et ses ambiances éthérées, nous rappelant les grandes heures du rock progressif. Dans le même registre, la chanson-titre (After, pour ceux qui suivent) évolue dans un registre quasi post-rock. Le morceau monte graduellement en intensité, jusqu'à l'explosion froide et brutale, avant de conclure sur des arpèges de guitare classique. A l'écoute de cette chanson, on ne peut d'ailleurs s'empêcher de penser à des groupes comme Pelican ou Isis.

Mais si les influences post-rock sont indéniables, ainsi que celles du rock progressif, After reste avant tout un album de metal. Le passé d'Ihsahn au sein d'Emperor est trop important pour être mis simplement de côté, et l'ombre du cultissime Anthems to the Welkin at Dusk plane sur l'album. Bien entendu, on peut imaginer pire référence, mais ne perdons pas de vue que After reste un album de musique extrême et de ce fait, pas forcément accessible à tout un chacun.

L'album est une véritable synthèse des inspirations d'Ihsahn, à l'image d'Undercurrent, dont je vous parlais plus haut et sur laquelle nous allons revenir, car il s'agit sans aucun doute du moment phare de l'album. La chanson catalyse toutes les ambiances de l'album en un monstrueux et innarrêtable rouleau compresseur, comme une catastrophe inéluctable à laquelle on assiste, impuissant. C'est vraiment la perle de l'album, et si vous voulez vous faire une idée de ce que donne cet After, je ne peux que vous conseiller de commencer par jeter une oreille sur Undercurrent.

Avec ce troisième album solo, Ihsahn réalise son meilleur travail jusqu'à maintenant. After est une véritable expérience musicale, où le norvégien nous emmène en voyage au travers de paysages lunaires et désolés. A mon sens, l'album est indispensable pour tout fan de musique extrême qui n'est pas resté bloqué dans le trip "corpse-paint" et satanisme, ou pour toute personne désireuse de découvrir un artiste complet et au sommet de créativité. Nous ne sommes encore qu'au début de cette année 2010, mais je suis convaincu que nous tenons déjà un candidat plus que sérieux pour l'album de l'année.

John Cale : "Slow dazzle"

Jérôme Delvaux — 2010-02-27T12:08:01Z

Question de Madame Belpaire, de Loches : « Je suis grande fan du Velvet Underground et de la carrière solo de Lou Reed. A part un ou deux titres entendus sur Classic 21, je ne connais par contre rien de ce qu'a fait John Cale après avoir quitté le groupe. Lequel de ses albums me conseilleriez-vous d'écouter en premier ? »

Slow dazzle, Madame Belpaire, Slow dazzle ! Son cinquième disque en solo, le deuxième de sa période chez Island Records, en 1975. A 33 ans, l'ancien bassiste du Velvet y apparait déjà au sommet de sa carrière d'auteur-compositeur. Entouré, il est vrai, d'une belle brochette de musiciens (Phil Manzanera de Roxy Music, Chris Spedding, Brian Eno,…), il y présente tout simplement quelques-unes des plus belles chansons de tout son répertoire.

La lumineuse Mr. Wilson, tout d'abord, qui n'est rien d'autre qu'un hommage du chanteur à Brian Wilson, le principal compositeur des Beach Boys, qui vivait à l'époque des moments très difficiles (drogues, démence, la totale !). La musique en elle-même est ouvertement inspirée par celle des plagistes (période Pet sounds) et le texte n'est rien d'autre qu'un message de réconfort adressé par le Gallois au célèbre musicien californien. « Don't believe the things they tell you, don't let them get in your way », lui conseille-t-il, au moment précis où l'attitude de Wilson incitait ses frères à essayer de l'évincer du groupe…

Et puis, à l'opposé de ce soutien amical à un confrère qu'il admire, John Cale s'en prend vertement, sur Guts, à un autre musicien. Les premières paroles de la chanson posent le décor : « The bugger in the short sleeves fucked my wife. Did it quick and split ». Hé oui, le texte est bien autobiographique. Même si celui-ci n'est jamais cité nommément, le bugger (terme argotique qu'on peut traduire par « enculé ») n'est autre que Kevin Ayers, le bassiste de The Soft Machine. Cale fait ici référence à un incident survenu la veille du fameux concert du June 1, 1974, lorsqu'il a surpris sa femme au lit avec Ayers. Toute l'amertume, la colère et la haine ressenties pour son épouse infidèle et celui qu'il croyait son ami sont perceptibles dans son interprétation de cette chanson, probablement la plus habitée de sa carrière. Et pour cause.

Toujours sur le thème de la rupture, des déceptions amoureuses et de la solitude, Heartbreak Hotel est l'autre moment fort de l'album. Il s'agit d'une reprise d'un des premiers succès d'Elvis Presley, rendue méconnaissable par un tempo ralenti, des orchestrations très sombres, délibérément cafardeuses (ces synthés sinistres d'Eno !), et des chœurs qui hurlent à la mort. Dans une forme vocale époustouflante, Cale en magnifie le texte et en souligne toute la portée tragique (« Since my baby left me, I'm so lonely I could die ») parfois passée inaperçue à l‘époque de sa sortie, lorsque les teenagers n'avaient d'yeux que pour les déhanchés ‘scandaleux' (pour les années 50) du King.
Pour moi, il s'agit ni plus ni moins d'une des meilleures reprises de tous les temps.

Parmi les autres titres de haute tenue, épinglons également Dirty ass rock n'roll, un titre à considérer au second degré et sur lequel notre grand intellectuel cite Freud de sa voix la plus roots. Il démontre aussi que, lorsqu'on s'appelle John Cale, on n'est jamais ridicule, même lorsque l'on chante « Make a man's heart go bibbity-bom bippity-bom bippity-bom ».
Plus loin, Rollaroll se distingue par son piano enjoué et ses rythmes chaloupés. Et puis, il y a cette intrigante plage finale, The jeweller. On pense ici à la fois au spoken-word de The gift (sur White light/White heat du Velvet Underground), mais aussi aux orchestrations minimalistes/dépouillées concoctées par Cale pour les albums néoclassiques/gothiques tristes-à-se-flinguer de Nico (The end, entre autres). Très, très spécial…

Même lorsqu'il porte une veste en cuir et les lunettes noires assorties pour faire le petit dur, John Cale reste John Cale : un dandy d'une élégance innée. Sur cet album, on perçoit aussi en lui un pur rockeur doté d'une sensibilité à fleur de peau, un écorché vif qui nous parle de sa vie, ses joies, mais surtout ses peines, nous crache son dégout à la figure et nous faire ressentir son mal-être avec lui. Sale type, va…

The XX : "XX"

Tokyo Montana — 2010-02-24T23:00:00Z

Voici un album qui à sa sortie engendra un raz de marée de positivisme. A ma connaissance, nul avis dissonant dans la presse spécialisée (et professionnelle ??) que pour perturber cette belle unanimité. Seuls quelques blogs amateurs entamèrent une symphonie alternative. Comme à son habitude, ma prudence de Sioux me dicta de laisser l'ouragan se calmer et de ne succomber au chant des sirènes que si la confirmation pointait à l'horizon. Ce qui me fut porter à l'ouïe à l'époque de sa sortie ne fit que de me conforter dans cette sagesse. Finalement à la lecture d'un classement d'un confrère de publication, je cédais à la tentation et investissais Ecu sonnant et trébuchant. A posteriori, j'en conclus qu'il est souvent préférable de suivre ses instincts primaires.

A l'aube de l'album, on se sent emporté par cette mélodie faite de presque rien et qui perdure alors que les compositions s'égrènent. Mais rapidement d'essentielles questions apparaissent pour l'auditeur moyen que je suis. La première et non la moindre, le côté mélodique léché est fort sympathique, mais un sentiment de répétition vient nous gâcher le plaisir de façon pour le moins prématurée.

La technique et l'écriture se révèlent encore plus rudimentaires que l'élucubration la plus simpliste d'un de mes favoris, les Raveonettes. A nouveau cette face minimaliste est fort agréable à l'oreille mais tend vers une lassitude inéluctable à plus ou moins brève échéance.

Le son, la structure des compositions et la production sont du domaine de l'académique et pas vraiment uniques. On est parfois saisi de l'impression d'écouter un Interpol dont la rythmique aurait été virée pour laisser la part belle à cette guitare qualifiée de lead, Avec en soutient lointain une basse très discrète. Ces six cordes meneuses semblant originaires du duo danois précité, ou encore me trompais-je en trouvant une ressemblance, pas tout à fait anecdotique, entre Blue Hotel d'Isaak et son utilisation sur certains passages d'Infinity (entre nous, la piste que je préfère).

Le duo vocal, presque susurrant serait-il alors l'instigateur de ces critiques dithyrambiques qui ne cessaient de pleuvoir sur la première production de ces post-ados/pré-adultes. Sont-ce les effets un tantinet aériens appliqués sur certaines parties de guitares ? J'avoue éprouver beaucoup de peine à comprendre cet engouement. Même si il est loin d'être désagréable de se laisser bercer par l'album, rien de bien nouveau sous les tropiques, si ce n'est un début d'ennui.

Le haut degré de mimétisme d'avec les références de base, ou de celles déjà influencées par les décennies précédentes, pourrait insinuer un manque d'inspiration quant à l'écriture et les arrangements. Insinuation auquel je n'ai guère de peine à adhérer. Serait-ce déjà une conclusion à laquelle on pourrait arriver et qui est en passe de se confirmer quand on lit que les concerts de ces nouvelles stars déjà semblent tourner en rond (http://www.lalibre.be/culture/musiq...) ?

Évidemment que le monde avançant, il devient ardu pour les artistes du nouveau millénaire de piocher dans les bibliothèques de leurs ancêtres et d'y appliquer une recette personnelle pour se détacher de la masse. Certains, on ne sait pour quelles raisons, arrivent à décrocher le gros lot, alors que d'autres végètent tout en n'étant pas plus mauvais. Dans le cas qui nous occupe, je dois avouer que je les aurais volontiers classés dans la seconde catégorie.